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Entrevistamos a Ville Friman de INSOMNIUM: “Como es otoño, he estado escuchando más jazz y música ambiental”

INSOMNIUM es una banda que desde sus comienzos ha sabido evolucionar y modificar su sonido hasta convertirse en un referente de la escena del death melódico. Recientemente han editado  su octavo álbum de estudio, Heart Like a Grave, y tuvimos oportunidad de conversar extensamente con Ville acerca de él y de muchas otras cosas. No tenemos por el momento noticias de que vayan a visitarnos pronto pero, según Ville, habría planes para el 2020. Así mientras tanto, entreténganse con la nota.

METAL-DAZE: – Hola Ville, muchas gracias por tu tiempo, es un placer poder hablar con vos.  

Ville Friman: Por favor, gracias a uds por hacer la entrevista. 

MD:  INSOMNIUM comenzó en 1997 y desde entonces han editado 8 álbumes. Durante los últimos 10 años han cosechado muchos fans y lo siguen haciendo. Para todos aquellos que no los siguen desde el principio ¿Cómo definirías a INSOMNIUM? ¿Cómo fueron los comienzos? 

VF: Diría que somos una banda de death metal melódico y melancólico con un sonido distintivo propio de Finlandia. Hace mas de 20 años que estamos hacienda esto y, como ya dijiste, editamos 8 discos de estudio durante ese tiempo. Los temas en los que solemos inspirarnos son bien finlandeses: oscuridad, tristeza, melancolía, depresión, pero también hay esperanza. En cuanto a cómo comenzamos, Bueno, nos conocimos en la escuela y un día Nilo nos preguntó a Markus H y a mi si queríamos unirnos a él para formar una banda de metal. El resto, como se suele decir, es historia (risas)

MD:  - ¿De dónde surge el nombre? ¿Está relacionado con las largas noches y días nórdicos y las posibles alteraciones del sueño? 

VF: En realidad el nombre deriva del latín y significa pesadilla/insomnio. Directamente sentimos que encajaba con la banda. 

MD: - Acaban de editar su 8vo álbum Heart Like a grave. El anterior Winter’s Gate fue realmente sensacional, una única composición de alrededor de 40 minutos fragmentada en pequeñas partes, algo muy ambicioso que les salió extremadamente bien. Y con ello dejaron la vara muy alta y creo que lo saben. ¿Cómo se tomaron esto a la hora de comenzar a componer este nuevo trabajo? ¿Alguna vez pensaron en hacer un disco similar o no les importaba si, de repente, iba en una dirección completamente nueva?   

VF: Bueno, la verdad es que no queríamos hacer un álbum común pero tampoco queríamos hacer otro Winter’s gate. Ese disco fue algo diferente intencionalmente para sacudir un poco las cosas y ponernos a prueba. Esta vez, simplemente empezamos a componer y la música salió sola y no paraba de fluir. Markus V escribió la mayoría de los temas esta vez. Yo hice una canción y Niilo y Jani compusieron 2.5 y 1.5 canciones respectivamente, por lo que resulta en un trabajo diverso y en conjunto. No pensamos demasiado en cómo debería sonar, solo dejamos que fluya. 

MD: – He escuchado el disco y, sinceramente, me encantó. En mi opinión es completamente diferente a Winter’s Gate.  Este diría que es más un compendio de canciones muy lindas y oscuras con un montón de elementos, todos ellos muy finlandeses, y con mucha melancolía. Sé que la idea era justamente, abordar la melancolía finlandesa, verdad? ¿Podrías explicar qué es exactamente esa melancolía a la que se refieren? ¿Cómo las convirtieron en letra y música?   

VF: Gracias, es un placer escucharte decir eso! Es difícil de explicar (la melancolía finlandesa). Quizás tenga que ver con los escenarios que nos rodean y con cómo somos como finlandeses. Somos gente bastante tímida e introvertida pero también muy leales y emocionales una vez que nos conocen. Es una mezcla rara. Además, llevamos la antorcha de la melancolía a través de canciones que fueron escritas hace muchísimo tiempo y a las cuales fuimos expuestos durante toda la vida a través de la radio y la televisión. Creo que es lo mismo que sucede con la música de Latinoamérica, vuestra sociedad ha sido infiltrada por ella y es algo que se ha vuelto muy natural para ustedes. 

MD: – De hecho, prestando atención a las letras, y viendo los videos que han sacado, me da la sensación de que, de alguna manera, están vanagloriando el pasado, como que las cosas buenas de la vida suceden durante la juventud, es así? ¿por qué? 

VF: Creo que estamos mirando al pasado con un poco de tristeza en nuestro corazón. Es más como una revelación de cuando las personas entienden que solían tenerlo todo, pero ahora todo se ha ido. La lección es vivir tu vida al máximo cuando puedas. 

MD: – Muchas de las letras se inspiraron en poemas y canciones tradicionales de Finlandia, ¿verdad? ¿Puedes nombrar algunos de esos poemas / canciones y hablar un poco sobre ellos? 

VF: Como Niilo hizo la mayoría de las letras de este álbum, no puedo hablar demasiado. Pero también hay indicios claros hacia música finlandesa contemporánea con la que hemos crecido. Básicamente, hicimos nuestras propias versiones de estas historias en forma de canciones de metal. 

MD: – “Heart like a Grave” es un álbum que, musicalmente, me recordó a muchas otras bandas finlandesas. Por ejemplo, “Valediction” tiene algo que me recuerda a AMORPHIS y “Heart Like a Grave” tiene algo de SENTENCED. ¿Creés que el metal finlandés tiene un sonido característico? 

VF: Definitivamente sí, y fuimos muy influenciados por él. Y algunas de estas influencias en el álbum no están ocultas, al contrario, se presentan casi como un homenaje a estas bandas de metal finlandesas con las que crecimos. SENTENCED y AMORPHIS fueron grandes bandas para nosotros y con seguridad nos influenciaron. 

MD: – Hablando de otras bandas y sonidos. Asumamos que desde el lanzamiento de “One for Sorrow” que, de hecho, coincide con el momento en que se pasaron a Century Media, INSOMNIUM se convirtió en una especie de sonido característico dentro de un género y, de alguna forma, en uno de los mayores representantes de él. ¿Ves esto? ¿Cómo te sentís al respecto (aparte de estar orgulloso)? ¿Cómo fue la búsqueda de ese sonido único? ¿Fue intencional? 

VF: Creo que es el resultado de un desarrollo “natural”. Es una respuesta aburrida, lo sé, pero seguimos haciendo lo que siempre sentimos que estaba bien para nosotros y el estilo se ha ido desarrollando poco a poco. Century Media definitivamente nos ayudó a obtener más cosas a través de una promoción más eficiente, pero al mismo tiempo hemos estado muy ocupados recorriendo y promocionándonos en todo el mundo. Es el resultado de mucho trabajo y muy duro. 

MD: – Cada disco tiene su propia peculiaridad, esa cosa que los hace únicos. ¿Cuál dirías que es ese elemento único de este último disco (musicalmente hablando)? 

VF: Creo que una cosa que lo hace único es que tenemos 4 personas escribiendo la música esta vez, lo cual es completamente nuevo. Sin embargo, la música sigue sonando a INSOMNIUM, pero de una manera más “fresca” luego de tantos álbumes. Creo que es un gran logro en sí mismo. Es difícil comparar tus propios álbumes entre sí, pero diría que es el desarrollo natural y la creación de nuestro sonido desde “One for Sorrow”. 

MD: – ¿Qué tipo de música escuchás cuando tenés tiempo para relajarte y disfrutar de la música como fan? ¿Te inspirás en otras cosas además del metal? 

VF: Todos nos inspiramos en todo tipo de música. Como es otoño, he estado escuchando más jazz y música ambiental como NILS FRAHM, MAMMAL HANDS, THE CINEMATIC ORCHESTRA. El nuevo álbum de NICK CAVE también suena muy bien. 

MD: –   La banda decidió continuar como quinteto con JANI LIIMATAINEN como miembro permanente. ¡Ahora son “los nuevos IRON MAIDEN” con esta formación! ¿Cómo es tener 3 guitarristas dentro de la banda? Y además, como mencionaste antes, ahora tienen un compositor más! ¿Fue difícil acoplarse o es algo que mejora el proceso creativo? 

VF: Creo que definitivamente tuvo un efecto positivo en el proceso de composición y nos da una línea constante de dos guitarristas en cada gira, mientras que puedo unirme a las otras de vez en cuando. Ya tocamos un show con tres guitarras y fue bastante bien, así que creo que fue una muy buena decisión. 

MD: – Después de cada lanzamiento, tienen un recorrido muy intenso por todo el mundo. ¿Cómo afecta esto a su vida personal / familiar? Entiendo que algunos de ustedes también tienen otros trabajos aparte de la banda, ¿es eso posible? 

VF: Para mí, girar se volvió imposible debido a mi trabajo como biólogo evolutivo en la Universidad de York. Viajar es un trabajo duro y te lleva fuera de casa durante varias semanas seguidas. Es algo que me encanta, pero también es un proceso agotador y casi que requiere el 100% de dedicación a este estilo de vida. La mayor parte de la banda ahora vive de la música y se compromete únicamente con esto para que funcione. 

MD: – Hablando de giras, ¿tienen en mente una gira sudamericana? Creo que nunca han estado aquí antes, ¿verdad? ¿Les gustaría? 

VF: Tenemos los planes y con suerte llegaremos allí el año que viene. Sudamérica ha estado en nuestro radar durante mucho tiempo y realmente esperamos hacerlo realidad durante la promoción de este álbum. 

MD: – Bueno, muchas gracias por tu tiempo y todo lo mejor para este increíble álbum que han editado. Espero que podamos verlos aquí en Argentina en algún momento cercano.

VF: Gracias a vos y también espero concretar nuestra visita por allá.

Entrevista y traducción: Estanislao Aimar

Agradecemos a Marta Ribate de Century Media por su colaboración para poder realizar la entrevista

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Entrevistamos al Tano Romano de LA H: “si La H hubiese seguido, el Heavy Metal nacional estaría en otro lugar”

La H No Murió, se presentará nuevamente en diciembre para celebrar el 25° aniversario del último disco editado por HERMETICA, “Victimas del Vaciamiento”. Por tal motivo, tuvimos la oportunidad de conversar brevemente con el TANO ROMANO para hacer un poco de memoria y obtener algunas respuestas.

METAL-DAZE: – Tano ¿como estás? Son históricos dentro de la escena nacional y por qué no, Latinoamericana, es un honor para nosotros conversar con vos.  Han pasado 25 años desde la edición de “Victimas del Vaciamiento”, el disco que marcaría el final de la banda más emblemática de la escena Nacional, HERMETICA ¿Cuál es la anécdota durante el proceso de grabación que más recordás y cual el momento más difícil o tenso dentro del mismo contexto, que nos puedas contar?

Tano Romano: – Bueno, el placer es mío al poder hablar con ustedes. Más que anécdota te puedo contar la experiencia de lo que fue grabar VDV, ya habiendo grabado los dos discos anteriores, más “Interpretes” y los discos en vivo. Ya nos conocíamos más como músicos, estábamos sonando mucho más ajustados, desde el ingreso de Pato que pude jugar con otras cosas como compositor, todo lo anterior que te mencioné hizo que las composiciones fueran un poca más jugadas y el sonido distinto.

MD: – ¿Tienen algún ritual antes de salir a escena que mantengan de aquella época, o alguno que sientan que con los años los ayude a salir con más seguridad al escenario?

TR: – Creo que no hay rituales, trato de prepararme previamente lo mejor posible para disfrutar del cariño de la gente, de la música y el momento. Somos una banda que suena bien y hoy tenemos la posibilidad de salir a tocar y sonar bien. Eso nos permite disfrutar aún más del público, de cómo saltan y poguean con pasión.

MD: – Con tantos años tocando y girando juntos, uno imagina que no necesitan hablarse para entenderse, que solo basta con miradas o gestos ¿Cómo logran esa relación profesional a la hora de trabajar sin desgastar la relación personal y que todo fluya? ¿Es un trabajo que han logrado a través de las charlas como banda, o realmente es algo natural que han conseguido con el correr de los años?

TR: – Creo que se logra por la experiencia de estar tocando tantos años y te da esa ventajita. Cuando sos joven y ves a la gente pogueando con tu canción como que te emocionás, y esa emoción hace que te vayas del curso de la canción. Muchas veces nos pasa que se te aparece como una nube y no te acordás que sigue, pero los dedos solos tocan la canción, aunque suene increíble y recién ahí recordás lo que viene. Los que somos músicos que aprendimos sapando tenemos la facilidad de recurrir al recurso de la sapada cuando nos olvidamos o tocamos más alguna nota o un solo, y muchos de esos momentos han quedado muy lindos, porque se vuelve algo que sucede ahí, en vivo, en esa situación, cosas que seguramente nunca se repetirán. Y que quedan muy buenas, como te digo.

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MD: – La escena local actual cuentan con grandes bandas, que incluso han viajado al exterior y que cuentan con material y shows en vivo de calidad internacional, pero, aun así, ninguna logra causar la sensación que logro “Hermética” en los 90 ¿Por qué creen que sucede esto? ¿Cuál es el condimento que les hace falta? ¿O será que en realidad lo tienen y el factor es otro? ¿Qué opinan ustedes luego de tanto camino recorrido? Imagino que volver a interpretar ciertas canciones de ese mítico álbum, será muy movilizador para ustedes ¿Cuál es esa canción que les mueve todavía al piso hoy en día, y que los traslada a aquellos años? ¿Cuál es la que los hace viajar en el tiempo?

TR: -  Creo que La H tiene como ese balance, canciones melódicas en las que escuchas a toda la gente cantar al unísono y otros temas son poderosísimos, especiales para poguearlos, si yo tuviese que elegir un tema de VDV sería “Ayer deseo, hoy realidad”, que es el tipo de canciones que me gustan a mí, es un lindo tema musicalmente y la letra habla de lo que soñábamos e hicimos con nuestra historia en la música, de llevar nuestra canciones a todas partes y poder disfrutarlas con otras personas.

MD: – Desde hace un tiempo a esta parte, están mechando el rendir tributo y homenaje, con continuar presentando el material de MALON. La emoción de los fans es mucha, pero en contra partida muchos han criticado esta etapa, haciendo alusión a diferentes faltas, o derechos ¿esto les ha causado algún interrogante? ¿Les molesta, o simplemente hacen oídos sordos y prefieren continuar con su trabajo? Pasaron 4 años desde la edición de “Nuevo Orden Mundial”, un disco que a gusto personal es la evolución de la banda, que continua con la esencia, pero que tiene esa cuota moderna que completa la obra. ¿Están trabando en composiciones nuevas, tendremos novedades pronto, o simplemente esperan que fluya y se lo toman sin presiones?

TR: –  La verdad que algunos comentarios me molestan, toda una vida haciendo esto, creo que hemos dado bastante para el Heavy Metal como para que nos estén reclamando o que saquemos un disco nuevo. Hoy estamos disfrutando todo esto que es parte de nuestra historia, hacer este homenaje de Víctimas del Vaciamiento, tal como hicimos con Ácido Argentino, lo hicimos porque son parte muy importante de nuestra historia como músicos y de la historia del Heavy Metal argentino, creo que nos merecen también hacer estos homenajes, hoy que todavía estamos vivos y los podemos disfrutar. O sea, no vamos a sacar un disco nuevo porque la gente lo pida, lo vamos a sacar cuando estén las canciones, nosotros sacamos nuevos álbumes cuando ya tenemos suficiente material como para empezar a darle forma a las nuevas canciones y poder sacar en el estudio lo mejor de nosotros.

MD: – ¿Sienten que la escena estaría de la misma manera si HERMETICA hubiese continuado su carrera? ¿En qué creen que esto podría haberla beneficiado?

TR: - Creo que, si La H hubiese seguido, el Heavy Metal nacional estaría en otro lugar y tendríamos una banda nacional con la convocatoria para llenar un estadio de fútbol, lo cual beneficiaría a toda la escena en general. Esa es mi humilde opinión.

MD: – La última, ¿Por qué el metal? ¿Por qué esta expresión y no otra? Si tuvieras que elegir otra vez ¿el camino artístico seria el mismo? digo pensándolo en frío, sin el diario del lunes. 

TR: - Si tuviese que elegir seguramente elegiría el Heavy Metal, porque fue algo que llegó a mí sin buscarlo. Un día escuché Black Sabbath y me voló la cabeza, y me hizo sentir cosas distintas que otras músicas no me habían hecho sentir. Desde ese momento nunca dejé de escuchar Heavy Metal hasta el día de hoy. Seguramente elegiría el mismo estilo de música.

MD: – ¡Muchas gracias por su tiempo, nos vemos en diciembre en lo que de seguro va a ser una gran fiesta!

TR: - ¡Un abrazo grande para todos, nos vemos en diciembre en Obras, La H No Murió!

Entrevista: Diego Villares

Agradecemos a Coco Cabrera de Gaby Sisti Press por su colaboración para poder realizar la entrevista.

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Entrevistamos a Jakob de ELVENKING: “somos líderes escribiendo la música equivocada en el tiempo equivocado”

Previo a la segunda visita de ELVENKING a nuestro país tuvimos oportunidad de entrevistar a su bajita, JAKOB. A semanas de su nueva presentación JAKOB nos habló de todo un poco. Pasado, presente y futuro según lo dictan las runas ancestrales…

METAL-DAZE: – En primer lugar, muchas gracias por tu tiempo, es un placer poder entrevistarlos para metal-daze. 

JAKOB: – Gracias a Uds. por el espacio y su interés en nosotros.

MD: Comencemos por el principio. ELVENKING nace en 1997 y ya han editado 10 discos a la fecha. Sin embargo, nuevos fans descubren su música cada día; para todos aquellos que recientemente los conocieron ¿Qué es ELVENKING y cómo surgió hace más de 20 años? Y a propósito quién es “el rey elfo (elvenking)”? 

JAKOB: Excelente y difícil pregunta para empezar. ELVENKING, como ya dijiste, surge hace 20 años gracias a Aydan (guitarra) y Damna (voces), quienes, en aquel momento, querían crear una banda de power metal enriquecida por sonidos de muchísimas otras influencias, de las cuales el folk era la principal. Esto era algo que no existía entonces o, mejor dicho, algunos músicos estaban comenzando a experimentar con eso, pero esto fue muy anterior a las redes sociales y demás por lo que era mucho más difícil saber quiénes estaban haciéndolo a lo largo del planeta. En cuanto al “rey elfo” es una metáfora del crecimiento personal y la auto estima. Si te fijás bien en la letra de “King of the Elves” vas a entender mejor lo que digo. 

MD:  – Como mencionaste recién, cuando comenzaron la escena del Folk Metal ni siquiera había comenzado. ¿Cómo fue todo? ¡qué los impulsó a ir en esa dirección? 

JAKOB: – Sí, claro, es como te decía. Cuando ELVENKING comenzó no existía tal escena, quizás solo SKYCLAD estaba experimentando con esos sonidos. Luego se volvió más común y al mismo tiempo ELVENKING empezó a cambiar hacia otros géneros e incluir otros matices en los discos sucesivos. Nos gusta reírnos de nosotros mismos diciendo que “somos líderes escribiendo la música equivocada en el tiempo equivocado” (risas) 

MD: – Acaban de editar su último trabajo “Reader of the Runes – Divination”. Esta es la primera vez en toda su Carrera que escriben un álbum conceptual y, entiendo, que se trata de la primera parte de una saga, verdad? Entonces, no solo escribieron un álbum conceptual sino que además planearon toda una historia a editarse en varios discos. ¿Podés contarnos un poco acerca del concepto o la historia y cómo surgió la idea de una saga? 

JAKOB: – Precisamente, y esta es la primera parte de una trilogía, una saga de tres episodios. Anteriormente escribimos algunas canciones que, de alguna manera estaban conectadas (como en el álbum “The Scythe”), pero esta es la primera vez que escribimos un concepto real. Creo que no nos habíamos sentido listos para eso hasta ahora. Toda la historia trata acerca de un adivinador capaz de ver el destino de la gente y anticipar el futuro a través de Runas ancestrales. Este personaje llega a un pequeño pueblo donde se encuentra con diferentes personajes cuyas historias, curiosamente, estarán conectadas de alguna forma…y no quiero adelantar nada más! 

MD: – Se auto definen como un “acto pagano” ¿Cómo ven el paganismo en estos tiempos modernos y la era digital? ¿Creen que se han perdido las viejas costumbres? ¿Qué cosa del paganismo forman parte de vida actualmente?   

JAKOB: Las Viejas costumbres se perdieron, eso es Seguro. Pero nosotros no pertenecemos ni predicamos ninguna religión – el paganismo también es una metáfora que usamos en las historias que contamos, como una manera de encontrar tu propio camino en el mundo, libre de cualquier tipo de atadura. 

MD: – Hay una pregunta que tengo pendiente desde hace tiempo. Cuando editaron “The Pagan Manifesto” ¿Qué es exactamente ese manifiesto?   

JAKOB: – Es el manifiesto que define finalmente el tipo de música que nos gusta y queremos tocar. Luego de muchos años de experimentar y mezclar diferentes influencias “The Pagan Manifesto” marca la vuelta a nuestros orígenes musicales y lo sigo considerando nuestro mejor disco! 

MD: – Volviendo al “Reader of the Runes” ¿Crees en el poder de las runas? O simplemente las tomás como un elemento de gran importancia en el pasado? 

JAKOB: – Creo que un poco de ambas cosas. Siempre nos fascinaron las culturas paganas, sus mitos y sus leyendas y, de alguna manera, creemos en muchas de esas cosas. 

MD: – El disco Cierra con una canción épica de más de diez minutos “Reader of the runes – Book I”. Ya han tenido temas así de largos en discos anteriores como “The King of elves” o “a Poem for the Firmament” por lo que asumo que disfrutan de este tipo de composiciones, verdad? ¿Cómo es el proceso? ¿Surgen naturalmente o tienen que trabajarlas mucho más que el resto hasta que logran la versión final? 

JAKOB: – Por supuesto que el proceso fue muy complicado para esos temas. La mayoría de las veces es una mezcla de Viejas y nuevas ideas que empiezan a encajar cuando aparece un sentido común que las une. Luego ensayarlas es jodidamente difícil! 

MD: –   Hablemos de influencias actuales. Cuando comenzaron ya dijimos que no había propuestas del género ¿Qué escuchaban y qué los influía en aquel entonces ya sea musical y conceptualmente? 

JAKOB: – Aydan y Damna sabían que SKYCLAD andaba en la misma onda. Y más allá de eso creo estaban muy metidos con el power metal clásico así como algunas cosas más extremas también. 

MD: – Hoy en día la escena pagan/folk metal se ha vuelto masiva. ¿Cómo ven la evolución del género? ¿hay alguna banda de hoy que te guste o qué estas escuchando últimamente? 

JAKOB: – Confieso que soy un oyente muy vago, no hay mucho que me excite hoy en día. Pero hay muy buenas bandas de folk metal como ENSIFERUM, los eternos MAGO DE OZ, o nuestros amigos de FINSTERFORST y KALEVALA. Me gustan muchísimo los últimos trabajos de AMORPHIS y STRATOVARIUS y siempre tengo un montón de clásicos en mi reproductor de CDs. 

MD: – Estarán visitando Argentina por segunda vez en 2 años. ¿Qué recuerdan de su primer show acá? Esperan algo en particular para ese show?  

JAKOB: – Tocamos por primera vez allá como soportes de ENSIFERUM hace dos años. Ese show todavía me da escalofríos, fue absolutamente increíble. Estoy seguro de que el público argentino nos dejará otra noche para el recuerdo y no podemos esperar para estar nuevamente allá. 

MD: – ¿Van a tocar “Reader of the runes” entero? Siendo un álbum conceptual sería una Buena idea.

JAKOB: – No, por ahora el disco entero no, pero sí muchas de sus canciones. Podremos tocar la trilogía completa una vez que esté lista…quien sabe.

MD: – Siguiendo el hilo de la pregunta anterior, pensaba en la complejidad de escribir una saga y luego llevarla al vivo. Quizás sea demasiado pronto pero ¿han pensado en algún tipo de “Show conceptual” donde toda la historia cobre vida y sea interpretada? Digo, incluyendo elementos cinemáticos o alguna performance actoral?

JAKOB: – Sí, pensamos muchas veces en hacer algo así y sería maravilloso. Pero se tiene que dar la situación ideal la locación, el presupuesto, etc. Tiene que estar cuidadosamente planeado.  

MD: – Bueno, eso es todo por ahora. Te dejo este último espacio para que digas lo que quieras a tus seguidores en Argentina. Estamos ansiosos por esta nueva visita a nuestro país. Nos vemos pronto y la mejor suerte para el resto del tour.

JAKOB: Gracias nuevamente por el interés y el apoyo. Nuestros países tienen un fuerte vínculo y estoy Seguro de que se sentirá como en casa. Pueden esperar un show completamente diferente al anterior con temas nuevos y algunas sorpresas. Nos vemos!

Entrevista y traducción: Estanislao Aimar

Agradecemos a Gabriela Sisti por su colaboración para poder realizar la entrevista.

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DEATH METAL FEST







BULLET FOR MY VALENTINE







DREAM THEATER







STRATOVARIUS







LACRIMAS PROFUNDERE “Bleeding the Stars”
Año: 2019 | País: Alemania | Género: Gothic rock/metal | Formato: digital | Sello: Oblivion

Hacia mediados/fines de los 90 surgía un subgénero del metal que dio en llamarse Gothic Metal y que fue muy popular durante un breve período de tiempo. Entre las muchas bandas que surgieron y aprovecharon el momento (SENTENCED, CHARON, POISONBLACK, TO/DIE/FOR, solo por nombrar algunas) pocas subsisten hoy en día y una de ellas es precisamente LACRIMAS PROFUNDERE.

La trayectoria de esta banda, sin embargo, incluye una serie de mutaciones importantes y varios cambios de formación. Fuertemente inspirados por los comienzos de PARADISE LOST y ANATHEMA, sus primeros tres discos (1995 – 1999) tienen una orientación mucho más inclinada al Gothic Doom en sonido y atmósferas, así como también en el uso alternado típico entre voces guturales y femeninas. Luego, de a poco y lentamente, la banda fue mutando su sonido hasta llegar a lo que, para mí, es el núcleo de su discografía entre 2004 y 2008 con el lanzamiento de sus discos Ave EndFilthy Notes For Frozen Hearts y Songs for the Last View. Luego devino un nuevo cambio de vocalista, experimentación e inclusión de nuevos elementos en su música hasta que, tras el lanzamiento de su último trabajo Hope is Here - un compendio de baladas sozas y canciones faltas de inspiración y/o emoción - la agrupación perdió completamente su rumbo. Pues su único miembro original, Olly Schmid, quería retornar a sus orígenes y esto trajo una serie de diferencias internas que culminaron con la partida de varios miembros de la banda. Así es que Olly decide, de alguna manera, refundar la banda conservando a su baterista y convocando a un vocalista desconocido llamado Julian Larre para, tras un hiato de 3 años, volver al ruedo con este nuevo lanzamiento titulado Bleeding the Stars 

Dicho esto, Bleeding the Stars no solo es el retorno de la banda a la actividad, sino que además nos pasea por cada momento de su carrera. Con canciones elegantemente ornadas y envueltas en un sonido moderno y ajustado, este resulta ser un lanzamiento inesperado, que sorprende y enamora en cada canción. Sin demasiadas vueltas, I Knew and Will Forever Know abre el disco con un aura bien densa y lúgubre propia del Gothic doom donde Larre despliega, de entrada, todo su potencial y caudal vocal, utilizando tanto su costado gutural como su registro más bajo y limpio tan característico del estilo. Celestite Woman nos traga como un remolino en las aguas más profundas de aquel metal/Rock gótico emblemático de principios de siglo y nos recuerda a los grandes del género como SENTENCED o The 69 EYES. Y por más sensación de ahogo que se sienta, la atracción hacia esas profundidades es tal que uno abandona la resistencia y se deja llevar por el flujo constante e incesante de la canción. The Kingdom Solicitude mantiene esa delicada sensibilidad emocional del gótico, pero añade voces aguerridas creando una atmósfera fuertemente opresiva y oscura. Y aquí es donde llega la dupla principal del disco, Mother of Doom y Father of Fate.

 

La primera invocando la melancolía y el drama más profundos del estilo con una labor vocal destacable que, inevitable y afortunadamente, evoca al difunto, y mentor de muchos, Pete Steele y que previo al final transmuta en una especie sonido propio del AMORPHIS más contemporáneo. Una canción que podría sonar repetidamente sin aburrir por horas. No obstante, si el dedo no es lo suficientemente rápido para volver a ponerla, inmediatamente nos vemos atrapados por su sucesora y compañera, Father of Fate, apretando el acelerador e introduciendo algunos elementos electrónicos convirtiéndose en un clásico indiscutido donde el gancho dice presente y la voz desgarrada trae nuevamente el doom al primer plano. Machaques marcados, medio tempo, rango vocal, melodía y gancho, no se puede pedir más. Like Screams in Empty Halls sea quizás el tema más depresivo del disco y donde encuentro una notable incompatibilidad entre las líneas vocales y la música. Desde lo musical me encanta y tiene todo un trasfondo bien fundado en PARADISE LOST, pero lamentablemente, la voz lleva la cosa hacia otro lugar no tan interesante. Quedará a criterio de cada uno. El resto de los temas que completan la lista, nos mantienen inmersos en los mismos climas y, si bien no hay destacados, no se pierde la atención ni el disfrute en ningún momento.

El gótico representa un mundo muy pequeño dentro del metal y uno que prácticamente se ha perdido. Sin embargo, algunos de sus exponentes han logrado sobrevivir, sembrar influencias y reflorecer. Para aquellos seguidores mas fervientes este es un año de resurgimiento donde bandas como THE 69 EYES, la flamante IDLE HANDS y LACRIMAS PROFUNDERE han sacado nuevo material. Creo, como dije al principio, que Bleeding the Stars es el álbum que LACRIMAS necesitaba para reencontrar su camino y volver a la actividad. Un retorno a su sonido más profundo y oscuro con una producción imepecable que hace de este casi un obligado de su discografía. Si esto seguirá así o no, no puedo saberlo. Por el momento la puerta se abrió y la oscuridad del otro lado es atrapante y tentadora, veremos si nos invita a pasar y adentrarnos nuevamente en la densidad gótica de antaño o si solo daremos un vistazo y pegaremos la vuelta.

Texto: Estanislao Aimar

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SYMPHONY X en vivo en Argentina: “Odisea por el inframundo porteño”
Fecha: Viernes 2 de Agosto de 2019 | Hora: 21 hs. | Lugar: El Teatrito | Bandas soportes: ARIADNA PROJECT

Quizás aquella chica a mi lado, tomando con sus manos, su rostro repleto de lágrimas, mientras entonaba aquella balada, fue la fotografía más descriptiva para transmitir el torbellino de sensaciones vividas esa noche. Ella miraba encandilada hacia adelante, y cantaba con todas sus fuerzas, sin importar lo que ocurriera a su alrededor. Acercaba sus manos al corazón y luego las lanzaba hacia adelante, como si su energía todopoderosa fuese a contagiar a todo aquel que se encontrara en la misma galaxia. En ese preciso instante advertí, que la magia ocurre en el momento menos esperado, y que se encuentra ahí en el instante en el que cada melodía completa el alma.

La cita en hora moderadamente cómoda, y se presentaba como antesala perfecta para que se sucedan los hechos de manera progresiva. ARIADNA PROJECT, se encargaba de realizar una vez más su labor. Profesionales en su área y con el amperímetro siempre en el tope máximo. La situación acústica fue una vez más el desafío, pero al contrario y ante lo impensado dentro de aquel marco. El dúo Gudiña – Gerbam, se dejó fluir como si fuesen los únicos actores de aquella fría noche con sus estribillos maravillosos, que fueron replicados en todas las voces presentes, que los acompañaron en cada interpretación. No es la primera vez, y entiendo que tampoco la última, en que este formato queda a cargo de la banda para oficiar de show apertura, y sinceramente siendo esta mi cuarta vez, he de confesar que aquel saco fuera de lo eléctrico les queda sumamente elegante.

En el momento justo y en el sitio adecuado.

Las luces se apagaron finalmente, y bajo aquella introducción cada uno de los ejecutores fueron colocándose en sus lugares. Ocupando sus posiciones, difíciles zapatos ante un público que sin vergüenza expresaba el amor y la ansiedad.

Las primeras notas perdidas, nos adelantaron la mística de Iconolast, ese obscuro comienzo del track que da nombre al antecesor de Underworld, encendió la mecha. Es curioso, y aunque es sabido que la banda a lo largo de esta gira ha comenzado casi de la misma manera, que la elegida para el comienzo sea esta, y no es que se trate de una elección incorrecta, todo lo contrario. Lo curioso es que el comienzo no este precisamente dedicado a Underworld, o por qué no a The Oddisey, quien sería el homenajeado y que da parte del nombre a la gira “Odyssey through the Underworld”. Lo cierto es que luego de la poderosa intro instrumental, épica y guerrera, al quedar ese riff a cargo del eximio Michael Romeo, Russell Allen hacía su aparición para posarse frente al micrófono y realizar ese movimiento característico, que fue precedido por los movimientos sísmicos generados por el salto incesante de todo el público. El sitio temblaba, como si fuera la última vez y esa energía contagiosa invitaba a saltar, hasta a quienes queríamos dedicarnos a observar y transmitir. Fue inevitable, y no hubo más remedio que sumergirse en el mismo mar, y convertirse en uno más de aquel montón enamorado y repleto de emociones. Evolution (The Grand design) seguía el juego, con ese comienzo repleto de cortes, comandados por la pequeña locomotora Jason Rullo, esta canción hizo mover aún más el suelo del lugar, hasta el punto de generar temor. Increíble respuesta del público, que hasta fue capaz de revolear algún vaso contenedor de bebida alcohólica por los aires. Y retomando la mención a la pequeña locomotora, la labor de Jason Rullo es eficazmente letal, una máquina de amalgamarse junto a los riffs de guitarra a cargo de Romeo, y de potencia descomunal, que se engrandece con la capacidad que tiene el músico para realizar arreglos progresivos y súper trabados sobre bases completamente distintas, haciendo cambios completamente enfermos. Uno de los bateristas que más me ha sorprendido en este tiempo, un profesional matemático de los compases. Serpent Kiss nos remitía a ese exquisito disco llamado Paradise Lost, con Russell matizando entre melodía, garraspera u guturalidad, como si fuese algo tan natural como respirar. Una canción que pasa por variados rangos vocales, y que el lungo los sortea como pocas veces vi a hacer a ningún ser humano. Momento contemporáneo, Underworld daba su presente. Nevermore fue una de las ninfas de la noche. La verdad es que, a gusto de quien escribe, SYMPHONY X es una de esas bandas en las que cada trabajo, si bien continúa con una línea clara de estilo, siempre trae joyas en su haber, y esta es una de ellas. Esta es una de esas canciones ideales para dar comienzo a un trabajo discográfico, y pareciera que los estadounidenses tienen muy afilado el lápiz para comprender esto. Without You siguió con la línea contemporánea. Una balada como puñal al corazón, lágrimas en más de un presente, y una demostración clara de lo que es capaz de hacer Mr. Russell Allen con su garganta. Es un extraterrestre, sus interpretaciones son mejores que en los discos, y sigue dejando la vara demasiado alta, hasta sobre sí mismo, un fuera de serie. Antes de comenzar la canción Russell, en unas sentidas palabras, nos recordaba que el tiempo pasa muy rápido, y que debemos aferrarnos a los afectos, a la familia, a los amigos, a lo que amamos, porque todo es un torbellino que pasa y luego nos encontramos sin nada, ”You Promise me Argentina?” finalizó. Recuperando el aliento y bajando las pulsaciones de nuestros corazones que ya estaban en el cielo, el set nos llevaba de nuevo a Paradise Lost con Domination con esa virtuosa intro a cargo de Mike Lepond. El pequeño bajista, de perfil humilde y look de mosquetero, es otra perla escondida en la banda, en el costado izquierdo del escenario se dedicó a dar todo lo necesario para sostener las bases y funcionar al unísono con Romeo cuando fue necesario, engrandeciendo esas líneas y hasta pasando grandiosamente desapercibido en muchas ocasiones, situación que lo engrandece en demostración de calidad profesional. Momento de viajar un poco más atrás con un clásico, una joyita de ese disco tan poderoso como es Divine Wings of Tragedy de 1997, en una versión demencial, en donde las voces seguían marcando precedente, como si el tiempo no hubiese pasado, y todo clavado aún mejor que en las grabaciones. El público ya estaba extasiado, pero el final inminente dejaba ya percibir su aroma, y con vaso en mano de un buen tinto argentino, Mr. Allen anunciaba que dejaría tocando a sus compañeros y que se iría a beber tras bambalinas ya que era momento del final… momento de The Odyssey, más de 20 minutos de épicas líneas para disfrute de los más exigentes. Un privilegio fue poder ver cómo la banda se desenvolvía como si lo que estaba ocurriendo fuese algo muy natural. El trabajo de Pinella, Romeo, Lepond y Rullo, está por encima de la experiencia, y ni siquiera les hace falta mirarse para comunicarse. Esta canción es una de esas que, para los amantes de los tracks largos, es un lindo banquete. La música y la lírica logran llevarte por esa bella historia y estar atento cada segundo esperando aquel momento especial. Y es que nada tiene desperdicio. Cada atmósfera creada fue inmensa y fuimos partícipes de una situación que pocas veces se repite y más aún por estos pagos.

Final de un show muy esperado por quien escribe, y por todo el que dijo presente en ese sold out. Show redondo por donde se lo analice, en donde tuvimos un mix de pocos discos, pero con canciones minuciosamente seleccionadas, que lograron pasearnos a lo largo de esta épica y heróica “Odisea por el Inframundo”

Texto: Diego Villares

Fotos: Paula Andersen

Agradecemos a Marcela Scorca de ICARUS MUSIC Press por la acreditación al evento

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